Μια νέα ταινία χτυπά την κρίσιμη τοποθεσία συλλογής Rotten Tomatoes, και διατηρεί ένα τέλειο σκορ 100% Fresh ακόμα και μετά την αρχική αναταραχή των 25, 50, ίσως ακόμη και 75 αναθεωρήσεις. Μετά από αυτό, γίνεται ένα παιχνίδι αναμονής μεταξύ των οπαδών της ιστοσελίδας, καθώς ανανεώνουν τους browsers τους επανειλημμένα καθ 'όλη τη διάρκεια της ημέρας για να δουν ποιος κριτικός θα τολμήσει να το χτυπήσει κάτω στο 99% με μια σάπια αναθεώρηση. Μόλις συμβεί αυτό, αρχίζει η συζήτηση. Είναι αυτός ο κριτικός ειλικρινής; Ή μήπως αυτός ο κριτικός είναι απλώς ένα - ανατριχιαστικό! - contrarian, χτυπώντας την ταινία από την ψηλή πέρκα της καθαρά για χάρη λίγων στιγμών της φρικαλεότητας του Internet (και των προβολών σελίδας);
Είναι αδύνατο να πούμε, αν και θα θέλαμε να παραβιάσουμε την ακεραιότητα του κριτικού. Εν πάση περιπτώσει, αυτή η μοναχική φωνή που στέκεται ενάντια στην πλειοψηφία είναι σχεδόν ένα νέο φαινόμενο, καθώς ακόμη και τα κλασικά του παρελθόντος - οι ταινίες που αναδύονται συνεχώς στις συζητήσεις για τις σπουδαιότερες ταινίες που έγιναν ποτέ - υπόκεινται σε απροβλημάτιστες αναθεωρήσεις εδώ και εκεί. Είναι ενδιαφέρον ότι πολλές από αυτές τις αναθεωρήσεις, παρά την ύπαρξη δεκαετιών, έχουν διατηρηθεί (μέσω συνδέσμων) σε Rotten Tomatoes.
Ευτυχώς, πολλά από τα αναγνωρισμένα αριστουργήματα του κινηματογράφου - οι ταινίες όπως το Citizen Kane, το All About Eve, το Singin 'in the Rain και το Maltese Falcon - αξίζουν να διατηρήσουν 100% Fresh βαθμολογία στο site. Άλλοι πολύτιμοι λίθοι δεν είναι τόσο τυχεροί. Εδώ, λοιπόν, υπάρχουν 16 ταινίες που θα κλονιστείτε για να μάθετε να μην έχετε 100% σε σάπια ντομάτες.
16 για να σκοτώσει ένα μανταλάκι (91%)
Ο Gregory Peck, ο Oscar-winning performance ως δικηγόρος Atticus Finch είναι το υπόβαθρο του 1962 To Kill a Mockingbird, μία από εκείνες τις σπάνιες περιπτώσεις όπου μια ταινία συλλαμβάνει την ουσία του πηγαίου υλικού χωρίς να την διακυβεύει ποτέ. Μια υπέροχη ματιά στον μοναδικό τρόπο με τον οποίο τα παιδιά βλέπουν τον κόσμο γύρω τους, αυτή η προσαρμογή του βραβευμένου από τον Harper Lee Pulitzer βραβευμένο μυθιστόρημα βρίσκει τον κόρη του Atticus (Mary Badham) να μαθαίνει πολύτιμα μαθήματα ζωής βλέποντας τον μπαμπά του υπερασπιζόμενο έναν μαύρο άνδρα) απέναντι σε δόλιες κατηγορίες βιασμού σε μια μικρή νότια πόλη.
Την εποχή της απελευθέρωσης της ταινίας, ο Andrew Sarris προσέφερε μια φουσκωτή ανασκόπηση στην Village Voice, αποκαλώντας την ταινία "overrated trick" και δηλώνοντας ότι "ο Negro είναι λιγότερο στρογγυλός χαρακτήρας από ένα φιλελεύθερο κατασκεύασμα
απείρως ευγενέστερο από τους λευκούς θύλακες του και [απίστευτα καθαρό από καρδιά. " Αναλύοντας (ίσως άδικα) την ταινία από μια σύγχρονη προοπτική, ο Roger Ebert ξόδεψε την ανασκόπηση του 2001 σε μεγάλο βαθμό παραβιάζοντας αυτό που αντιλαμβανόταν ως αφέλεια, ιδιαίτερα σε σκηνές που δηλώνει ότι θα μπορούσε τώρα να «συναντήσει μόνο έναν κουρασμένο κυνισμό.
Για να σκοτώσει ένα Mockingbird είναι, όπως είπα, μια κάψουλα χρόνου. Εκφράζει τις φιλελεύθερες πιέσεις ενός πιο αθώου χρόνου."
15 ΠΗΓΑΙΝΕ ΜΕ ΤΗΝ ΑΙΣΘΗΣΗ (94%)
Από κοινωνικής απόψεως, αυτή η προσαρμογή του μπεστ σέλερ της Margaret Mitchell το 1939 παραμένει βαθιά αμφισβητούμενη. Μαζί με τη Γέννηση ενός Έθνους από τον DW Griffith, το Gone with the Wind είναι η ταινία που είναι πιο υπεύθυνη για την ασάφεια των δεινών του ρατσισμού και στην πραγματικότητα κάνει ένα ρομαντισμένο όραμα του Παλαιού Νότου ευχάριστο για το έθνος γενικότερα. Ωστόσο, από την κινηματογραφική άποψη, αυτό το δράμα για τους αγώνες μιας οικογένειας της Νότιας Πολιτείας κατά τη διάρκεια του Εμφυλίου Πολέμου είναι ένας γνήσιος θησαυρός, ένα συναρπαστικό επικό που διακρίνεται από τα εκπληκτικά επιτεύγματα στην καθαρή κινηματογράφηση. Είναι σαφές ότι οι κριτικοί πάντα ανταποκρίθηκαν περισσότερο στην τεχνική αντοχή του από το θεματικό πονηρό του σημείο, αφού εδώ και καιρό ανακοινώθηκε ως ένα από τα καλύτερα επιτεύγματα του Χόλιγουντ.
Υπήρξαν μερικοί διαφωνούντες στην πορεία. Ο Άρθουρ Σλέσινγκερ, επανεξετάζοντας την ταινία κατά την επανάληψή του το 1973, έγραψε στον Ατλαντικό ότι επιβαρύνθηκε από «μια πικρία του πειστικού συναισθήματος. Επιδιώκει την όπερα και την επιτυχία της σαπουνόπερας. Είναι ένα τρύπημα. " Ο συνάδελφος του Schlesinger, Ρίτσαρντ Σικέλ, ο οποίος επίσης κατέλαβε την επανέκδοση του 1973, πρόσθεσε ότι η ταινία είναι "περίεργα άψυχη - συνήθως μιλάει και μάλιστα πολύ ρομαντική μιλάει γι 'αυτό". Το απομάκρυνε ως "γυαλιστερό, συναισθηματικό, χαμογελαστό".
14 Είναι μια θαυμάσια ζωή (94%)
Στο 1946 του Frank Capra είναι μια θαυμάσια ζωή, ο James Stewart προσφέρει αναμφισβήτητα τη μεγαλύτερη του απόδοση ως αξιοπρεπής George Bailey, ο οποίος απαιτεί κάποια ουράνια παρέμβαση για να τον βοηθήσει να περάσει από αυτό που μπορεί να χαρακτηριστεί μόνο ως σκοτεινή νύχτα της ψυχής. Είναι μια θαυμάσια ζωή που έχει τη δύναμη να μετακινεί τους θεατές σε δάκρυα, και δεν το κάνει με απίθανο κουμπί που ωθεί αλλά με ειλικρίνεια δείχνοντας πώς η ζωή ενός ατόμου είναι πραγματικά κάτι που πρέπει να γιορτάσουμε.
Οι επικριτές του Κάπρα συχνά αποκαλούν τις εικόνες του "Capracorn", και αυτός ο επιζήμιος όρος μπορεί να βρεθεί στην κατάπαυση του Manny Farber από την ταινία στη Νέα Δημοκρατία. Όπως το βάζει, «Είναι μια θαυμάσια ζωή, το τελευταίο παράδειγμα του Capracorn, δείχνει την τέχνη του σε ένα υστερικό βήμα». Ο Farber συνεχίζει να επικρίνει τους "υπερβολικά απλουστευμένους χαρακτηρισμούς και την αφόρητη ιδιοσυγκρασία του σκηνοθέτη".
13 ΕΝΑΣ ΑΠΟΣΤΟΛΟΣ ΣΤΗΝ ΚΑΤΣΑΚΙΑ (95%)
Είναι αξιοσημείωτο ότι μια από τις τρεις ταινίες που κέρδισαν και τα πέντε μεγάλα βραβεία της Ακαδημίας (που συνέβησαν μία νύχτα και η σιωπή των αμνών είναι οι άλλοι), το One's Flew over the Cuco's Nest είναι εξίσου υπέροχη ως κωμωδία, δράμα και κοινωνική κριτική. Ο Jack Nicholson είναι εντυπωσιακός ως Randle McMurphy, ένα ζωντανό σύρμα που απομιμείται την ψυχική ασθένεια και καταλήγει σε ένα ίδρυμα που διευθύνεται από τη δικτατορική νοσοκόμα Ratched (Louise Fletcher).
Δύο μεγάλες νύμφες, ο Vincent Canby του New York Times και ο Richard Schickel του περιοδικού TIME, αφιέρωσαν την ταινία μετά την απελευθέρωσή της, αν και ήταν η αναθεώρηση του 1976 από τον βρετανό γραμματέα Kenneth Robinson στο The Spectator που εμφανίστηκε ως η πιο υστερική - η λέξη.
Αναμφισβήτητα αποκαλύπτοντας την απόλυτη μοίρα του McMurphy στην πρώτη παράγραφο, ο Robinson προχωράει να ονομάζει την ταινία «αηδιαστική» και «καταστροφικά φοβερή» πριν καταλήξει στο συμπέρασμα ότι «εκτός από μερικές πολύ καλές παραστάσεις, η ταινία δεν έχει τίποτα να μου προσφέρει - ναυτία."
12 ΚΑΤΑΛΟΓΟΣ ΣΧΝΤΕΡ (96%)
Δεν χρειάστηκε πολύς χρόνος για το δράμα του Ολοκαυτώματος του Steven Spielberg το 1993 για να εδραιωθεί η θέση του στα χρονικά του κινηματογράφου. Την κυριαρχία του στα 10 χρόνια των κριτικών. Οι καλύτεροι κατάλογοι ήταν δεδομένοι, όπως και το βραβείο της Ακαδημίας για την καλύτερη εικόνα. Αλλά το 1998 ο κατάλογος του Schindler λυγίζει πραγματικά τους μυς του ως στιγμιαίο κλασικό. Μόλις πέντε χρόνια μετά την απελευθέρωση του κινηματογράφου, το Αμερικανικό Ίδρυμα Κινηματογράφου το κατέταξε # 9 στον κατάλογο των 100 μεγαλύτερων αμερικανικών ταινιών όλων των εποχών, και η αναθεώρηση του 2007 της λίστας τον ανέβασε σε μια εγκοπή στο # 8.
Όμως, δεν ήταν κάθε κριτικός που φοβόταν το επίτευγμα του Spielberg. Ένας διαφωνητής ήταν η Joanne Kaufman της People Magazine, η κριτική της οποίας αποχώρησε με τον κεντρικό χαρακτήρα του Οσκαρ Σίντλερ (Liam Neeson), του γερμανικού πολεμικού κερδοσκόπου που έσωσε μεμονωμένα χιλιάδες Εβραίους από την εξόντωση. Όπως έγραψε ο Kaufman, «Η ταινία δεν εξηγεί με επιτυχία τι οδηγεί τον Neeson, ένα μέλος του ναζιστικού κόμματος, έναν μέχρι στιγμής άνευ σημασίας άνθρωπο και ειλικρινά ένα κομμάτι ενός σκύλου και ενός χοίρου, σε μια τέτοια αλλαγή νοοτροπίας και καρδιάς και σε τέτοιες θεαματικές πράξεις ηρωισμού. [H] είναι επιφανειακή στιγμή
φαίνεται λεπτό και κτυπά."
11 ANNIE HALL (97%)
Έπειτα από χρόνια παραγωγής εικόνων σχεδιασμένων μόνο για να προκαλέσει γελοία γέλια, ο Woody Allen τεντώθηκε ως σκηνοθέτης με το Annie Hall του 1977, ένα ασημένιο seriocomedy στο οποίο ο νευρικός Alvy Singer (Allen) αντανακλά τη σχέση του με την εξίσου νευρωτική Annie Hall (Diane Keaton). Οι κριτικοί, τα ακροατήρια και τα μέλη της Ακαδημίας ενθουσίασαν με ενθουσιασμό την ταινία και ο Allen δεν χαιρετίστηκε πλέον ως απλός κωμικός αλλά και καλλιτεχνικός ιδιοφυΐας.
Ωστόσο, ήταν ειδικά η ικανότητα του Allen να γυρίσει τη γωνία στην καριέρα του που οδήγησε τον Gary Arnold της Washington Post να εκτοξεύσει τα παράπονά του με την ταινία. "Αφού οι φάρσες του σκωτσέζικου τραγουδιού είναι εξωφρενικές και ξεκαρδιστικές, όπως το Sleeper και η Αγάπη και ο Θάνατος, η Annie Hall έρχεται ως μια μαλακή, ασαφής, ήπια εκτροπή, " έγραψε. "Ενώ υπάρχουν αστείες γραμμές και καταστάσεις, τείνουν να είναι ευρέως, εύθραυστα διάσπαρτα. Προσωπικά, αισθάνομαι την αλλαγή στην προσέγγιση του Allen ως στέρηση, τόσο συναισθηματικά όσο και στυλιστικά."
10 PSYCHO (97%)
Δεν ήταν όλοι ηλεκτρισμένοι από την ταινία του Master, όμως. Το TIME κοίταξε και αυτό το θέμα, αν και ήταν ο Robert Hatch του The Nation, ο οποίος ήταν ιδιαίτερα καταριέται από την εικόνα. «Είμαι προσβεβλημένος και αηδιασμένος», αποκάλυψε. "Οι κλινικές λεπτομέρειες της ψυχοπαθολογίας δεν είναι σημαντικές για την ασήμαντη διασκέδαση. Ο Psycho σας βάζει στη θέση του κακοποιού για τη φρίκη του νοσούντος νου. σε κάνει να νιώθεις ακάθαρτος."
9 JAWS (97%)
Έχοντας εμπιστοσύνη στο περιβόητο μπεστ σέλερ του Peter Benchley για έναν μεγάλο λευκό καρχαρία που τρομοκρατούσε μια κοινότητα της Νέας Αγγλίας στον ωκεανό, ο Στίβεν Σπίλμπεργκ βρέθηκε να εργάζεται με εξαιρετικά λεπτό αρχικό υλικό. Με μόνο μία ακόμη πίστωση μεγάλης οθόνης (το Sugarland Express του 1974) κάτω από τη ζώνη του, οι πιθανότητες για καταστροφή ήταν τεράστιες - ειδικά επειδή ο μηχανικός καρχαρίας δεν δούλευε τις περισσότερες φορές!
Ο σκηνοθέτης, αντλώντας από ένα σενάριο που βελτίωσε το βιβλίο, τελικά δημιούργησε ένα κλασικό στιγμιότυπο με το Jaws του 1975, μια ταινία που οφείλει την πλειοψηφία της επιτυχίας του στην υπέροχη ενορχήστρωση του Spielberg για τα συναρπαστικά σύνολα και τις ακολουθίες σοκ.
Αν και παραδέχτηκε ότι οι αλληλουχίες καρχαρία "έγιναν με αγωνία", ο κριτικός του Los Angeles Times Charles Champlin παρόλα αυτά ονομάζεται Jaws "ένα χονδροειδές και εκμεταλλευτικό έργο που εξαρτάται από την υπερβολική επίπτωση". Και ενώ θαύμαζε τις παραστάσεις του Roy Scheider και του Richard Dreyfuss, σημείωνε ότι, "Ashore είναι μια τρύπημα, αμήχανα σκηνοθετημένη και γράφτηκε γράμματα. Είναι [αυτό] μελόδραμα, ευρύ και προφανές."
8 LAWRENCE ΤΗΣ ΑΡΑΒΙΑΣ (97%)
Ο έπος του 1962 του David Lean, Lawrence of Arabia, θεωρείται από καιρό ως μια από τις μεγαλύτερες κινηματογραφικές ταινίες που έχει γίνει ποτέ και η κατάστασή του εκτείνεται πολύ πέρα από την κρίσιμη κοινότητα. Τα πολυάριθμα βραβεία του περιλαμβάνουν επτά βραβεία Οσκαρ και υψηλή θέση (# 7) στον κατάλογο AFI του 2007 με τις 100 καλύτερες αμερικανικές ταινίες. Όσο για τον Peter O'Toole, όλοι συμφωνούν ότι η απόδοση του ως βρετανός τυχοδιώκτης TE Lawrence είναι άψογη.
Κάνετε ότι σχεδόν όλοι. Ένας από τους κριτικούς του προσωπικού στο περιοδικό Monthly Film Bulletin, μια έκδοση του βρετανικού Ινστιτούτου Κινηματογράφου που αργότερα έγινε μέρος του εξαιρετικά επιρροή περιοδικού Sight & Sound, έγραφε ότι "η απόδοση του Peter O'Toole, ευχάριστη, έξυπνη και αφοσιωμένη, θα ανυψώσει την ταινία μαζί με αυτό."
Σε αυτή την πλευρά του Ατλαντικού, ο Bosley Crowther των New York Times διατήρησε το O'Toole αλλά όχι τη θεραπεία του κινηματογραφικού του σκηνικού, υποστηρίζοντας ότι η ταινία «μειώνει τη θρυλική φιγούρα σε ένα συμβατικό μέγεθος κινηματογραφικής ταινίας μέσα σε ένα θαυμάσιο και εξωτικό σκηνικό, πολλά κλισέ σκηνής δράσης."
7 CASABLANCA (97%)
Bogart και Bergman ως Rick και Ilsa. Ο Λάσλο και τα γράμματα διέλευσης. Ο καπετάνιος Renault και η γοητευτική του καταστροφή. "Οσο περνάει ο καιρός." "Εδώ σας κοιτάζω, παιδί." Ξέρεις τη ρουτίνα. Γύρω από το συνηθισμένο βραβείο για την Καζαμπλάνκα του 1942, η θέση της οποίας ως μία από τις πιο δημοφιλείς - και ευαίσθητες - εικόνες του Χόλιγουντ παραμένει αμείωτη καθώς περνάει ο καιρός.
Η Καζαμπλάνκα ευχαρίστησε τους κριτικούς και επιπλέον έσερε την Καλύτερη Εικόνα Όσκαρ, αλλά οι κακομαρτύροι στο περιοδικό TIME δεν είχαν κανένα από αυτά. Στην εβδομαδιαία συνάντηση των νέων κυκλοφοριών του, ο κριτικός που είχε ανατεθεί, χρησιμοποίησε κυρίως την κριτική του για να σχολιάσει τις φυσικές εμφανίσεις των ηθοποιών - για αρχάριους, ο Bogart "μοιάζει με τον Buster Keaton παίζοντας τον Paul Gaugin" ενώ ο SZall θα έπρεπε να εξετάσει το πρόσωπό του ένα στηθόδεσμο "- πριν καταλήξει στο συμπέρασμα, " Τίποτα πέρα από μια εισβολή θα μπορούσε να προσθέσει πολλά στην Καζαμπλάνκα. " Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς ότι πήρε σοβαρά αυτή την κριτική, καθώς στην κριτική για μια από τις άλλες ταινίες που κάλυπτε αυτή την εβδομάδα (Κάποτε σε ένα μήνα του μέλιτος), ο κριτικός επανειλημμένα αναφέρθηκε στην Cary Grant ως "Gary Grant".
6 ΕΝΑΣ ΣΕ ΧΡΟΝΙΑ ΣΤΗ ΔΥΤΙΚΗ (98%)
Το οπερατέρ του Sergio Leone παραμένει αξιοσημείωτο για μια σειρά από επιτεύγματα, όπως η χύτευση του ήρωα του Χόλιγουντ Χένρι Φόντα ως ψυχρού θανάτου και ο τρόπος με τον οποίο τα γραφικά ταιριάζουν με το εξαιρετικό σκορ του Ennio Morricone (ο Morricone συνέθεσε τη μουσική του πριν ξεκινήσει η ταινία). Αλλά μόνο σε άλλες χώρες όπου το κοινό μπορούσε να απολαύσει όλα τα 165 λεπτά αυτού του κλασικού 1968, αφού η έκδοση που κυκλοφόρησε στις ΗΠΑ το επόμενο έτος κόπηκε 20 λεπτά. Μόνο πολύ αργότερα ήταν ολόκληρη η περικοπή που έγινε διαθέσιμη στο κράτος.
Ο Roger Ebert εξέτασε την εικόνα όταν χτυπήθηκε για πρώτη φορά στις ΗΠΑ το 1969, και ήταν, ναι, το μήκος που οδήγησε στην χλιαρή επανεξέτασή του. Αν και παραδέχεται ότι η ταινία είναι "καλή διασκέδαση" και διακρίνεται από "κάποιες ενδιαφέρουσες εμφανίσεις", εξέπληξε επίσης το γεγονός ότι "η ταινία εκτείνεται για σχεδόν τρεις ώρες με διακοπή και παρέχει δύο ψευδείς συναγερμούς πριν τελειώσει τελικά".
5 Η ΝΥΧΤΑ ΗΜΕΡΑΣ (98%)
Κυκλοφόρησε το κράτος τον Αύγουστο του 1964, έξι μήνες μετά τη θρυλική εμφάνιση του The Beatles στο The Ed Sullivan Show, το ορόσημο του σκηνοθέτη Richard Lester Μια νύχτα σκληρής ημέρας μοιάζει με ντοκιμαντέρ, ακούγεται σαν μουσική και αισθάνεται σαν κωμωδία. Σε αυτό το χρονικό διάστημα με το πάγωμα, οι John, Paul, George και Ringo συναντώνται σαν τίποτα τόσο πλήρεις αθώοι έτοιμοι να μοιραστούν τους χαρούμενους ήχους τους με τον κόσμο. Με τόσα πολλά κλασικά κομμάτια που ρίχνουν από την οθόνη σε μια τρελή βιασύνη, δεν είναι περίεργο ότι η ταινία ήταν περίφημα περιγραφόμενη από τον κριτικό Village Voice Andrew Sarris ως "το Citizen Kane των μουσικών τζέκεκ".
Ο Jonas Mekas, ο άλλος κριτικός του Village Voice, διαφώνησε, και χρησιμοποίησε ακόμη και την κριτική του για να αναλάβει το Sarris. "Μόνο ένας που αγνοεί εντελώς το έργο των κινηματογραφικών παραγωγών του νέου αμερικανικού κινηματογράφου τα τελευταία τρία χρόνια μπορεί να αποκαλεί τη νύχτα της σκληρής ημέρας, ακόμα και γελοία, το Citizen Kane του κινητού κινηματογράφου (ο Sarris το έκανε)". Όσο για την ίδια την εικόνα, ο Mekas γέλασε: "Ούτε καλή καριέρα ούτε καλή φωτογραφία μπορεί να κάνει μια καλή ταινία.
Στην καλύτερη περίπτωση, είναι διασκεδαστικό. Αλλά η «διασκέδαση» δεν είναι μια αισθητική εμπειρία: η διασκέδαση παραμένει στην επιφάνεια ».
4 ΤΕΡΑΣΤΙΑ (98%)
"Ξεχάστε το, Τζέικ, είναι η Chinatown." Αυτή η αθάνατη γραμμή είναι αρκετή για να κάνει τον εραστή του κινηματογράφου, αλλά είναι απλά μια από τις αμέτρητες κλασικές στιγμές του αριστουργηματικού νέου neo-noir του 1974 από τον σκηνοθέτη Roman Polanski, τον σεναριογράφο Robert Towne και τον αστέρι Jack Nicholson. Λος Άντζελες που εμπλέκεται σε μια λαβυρινθώδη πλοκή που αφορά τη δολοφονία και την πολιτική διαφθορά.
Το γεγονός ότι ο Chinatown κέρδισε το θαυμασμό των συνομηλίκων του και στη συνέχεια έλαβε 11 υποψηφιότητες για Όσκαρ (που κέρδισε το Best Original Screenplay) δεν εντυπωσίασε τον Gene Siskel, ο οποίος έγραψε στο Chicago Tribune ότι βρήκε την ταινία «κουραστική από την αρχή μέχρι λίγο πριν το τέλος. Τα περισσότερα προβλήματα εντοπίζονται στην κατεύθυνση του Polanski. Ο πυροβολισμός της σχεδόν κάθε σκηνής έχει τεθεί τεχνητά υπερβολικά, ώστε να συνειδητοποιήσει ότι ο Jack Nicholson φορούσε ρούχα της δεκαετίας του '30, ενώ στέκεται σε ένα δωμάτιο διακοσμημένο για να μοιάζει με ένα δωμάτιο των 30 ετών ενώ μιλάει για στερεότυπα που απομακρύνθηκαν από μια συλλογή ταινιών της δεκαετίας του '30."
3 TOY STORY 3 (99%)
Το πιο διαρκή franchise της Pixar σχεδόν έβγαλε το καπέλο, αλλά στο τέλος έφτασε μία ποσοστιαία πτώση. Σίγουρα, είναι εντυπωσιακό το γεγονός ότι το Toy Story του 1995 έχει βαθμολογία 100% Fresh από 78 κριτικές. Και είναι αξιοσημείωτο ότι το Toy Story 2 του 1999 διατηρεί ομοίως μια βαθμολογία 100% Fresh με 163 κριτικές. Αλλά με σχεδόν 300 κριτικές, οι πιθανότητες ήταν δραματικά στοιβάζονται ενάντια στο Toy Story του 2010 3 που δεν βρήκε μερικούς διαφωνούντες μεταξύ των τάξεων.
Ο επικεφαλής αυτών των νικητών ήταν φυσικά ο πρώην αναθεωρητής Τύπου της Νέας Υόρκης Armond White, του οποίου η διαδικτυακή φήμη ως αντιπαράθεση οφείλεται σε μεγάλο βαθμό στην εκτόξευση αυτής της ταινίας. Την ίδια μέρα που υπέβαλε μια ριψοκίνδυνη αναθεώρηση για τον Jonah Hex ("True art"), το White Story Toy Story 3 είναι ένα "βαριεσμένο παιχνίδι που μόνο το πλύση εγκεφάλου θα αγοράσει." Εξάλλου, οι Transformers 2 [Transformers: Revenge of the Fallen] ήδη διερεύνησε την ίδια πλοκή για μεγαλύτερη ενθουσιασμό και πολυτέλεια."
2 Ο ΘΕΟΣΦΑΙΡΑΣ (99%)
Ενώ οι φίλοι του κινηματογράφου συνεχίζουν να διαφωνούν για το αν ο Νονός ή ο Νονός: Ο Μέρος ΙΙ του Francis Ford Coppola είναι το καλύτερο της τριλογίας (το The Godfather του 1990: Μέρος ΙΙΙ δεν εισέρχεται ποτέ στη συζήτηση), δεν υπάρχει αμφιβολία ότι η πρώτη ταινία έπληξε περισσότερο από την παρακολούθηση του 1974. Το The Godfather, που κυκλοφόρησε το 1972, έσπασε τα αρχεία του box office, αναζωογονεί την καριέρα του Marlon Brando, έκανε ένα αστέρι από τον Al Pacino και γύρισε «θα τον κάνω μια προσφορά που δεν μπορεί να αρνηθεί» σε μια παντοτινή προσφορά ταινίας. Ωστόσο, κανένα φιλμ δεν μπορεί να αξιώνει βαθμολογία 100% για το Rotten Tomatoes, με το Μέρος ΙΙ στο 97% Fresh και το πρωτότυπο στο 99% Fresh.
Η μοναδική αρνητική ανασκόπηση της RT για το The Godfather προέρχεται από τον κριτικό της νέας δημοκρατίας Stanley Kauffmann, ο οποίος επικεντρώθηκε σε μεγάλο βαθμό στην απόδοση του Brando. "Δεν βλέπω πώς ένας ταλαντούχος ηθοποιός θα μπορούσε να κάνει λιγότερο από ό, τι κάνει ο Brando εδώ. Η κατοχή της εξουσίας, η καθαρή έμφυτη δύναμή της, σπάνια έμοιαζε πιο αδύναμη. " Ο Kauffmann δεν απαλλάσσεται από τους άλλους συμμετέχοντες, δηλώνοντας ότι ο Pacino "κουδουνίζει σε ένα μέρος πολύ απαιτητικό γι 'αυτόν" και ο Coppola "έσωσε όλη του την περιορισμένη εφευρετικότητα για τα γυρίσματα και τα τραντάγματα, τα οποία είναι από τα πιο κακό που μπορώ να θυμηθώ".
